Théâtre - Critique : Faire danser les alligators sur la flûte de pan

Dans Pulp, Bukowski imaginait un univers dans lequel Louis-Ferdinand Céline n’était pas mort en 1961. Cet univers ne paraîssait pas si éloigné du nôtre aujourd’hui, au Théâtre de l’Oeuvre.

Denis Lavant, bête de théâtre connu comme la muse du génial Leos Carax, arrive sur scène en se raclant la gorge. Il s’apprête à cracher le venin de Céline sur un public ébahi pendant près de deux heures.

Seul sur scène, il transforme la correspondance de l’auteur de Voyage au bout de la nuit en longues déclamations vociférantes. Céline est en colère contre les juifs, ses éditeurs, le prix Goncourt, ses critiques et même ses lecteurs. Mais surtout contre la littérature. Il se torche, littéralement et figurativement, avec la littérature française.

Quand il se calme, il nous offre une belle perspective sur sa carrière : il écrit parce que la vie l’emmerde et qu’il n’y a rien de mieux à faire. Et parce qu’il a besoin d’argent. 

Ce sont des petites remarques, presque des anecdotes, qui permettent de mieux comprendre cet homme. L’importance du style dans son oeuvre. Le succès de Voyage qui est impossible à répéter et qui le hante. On devient intimes.

Misanthrope, collabo et antisémite jusqu’à l’os, il n’est pas facile à aimer mais le Céline salaud n’empêche pas le génie d’exister, et celui-là est très attachant.

En bref, c’est une belle pièce que je vous recommande vivement. L’énergie de Lavant est foudroyante. Et même si la mise en scène n’est pas spectaculaire, on n’a pas le temps d’y penser quand deux génies s’agitent en un seul devant nos yeux.

Dennis

Théâtre - Critique: J'ai terriblement envie de vivre de Bruno Abraham-Kremer

Souvent, on peut se faire une idée sur une petite pièce de théâtre, uniquement par son titre. Trop de gens s’arrêtent d’ailleurs sur ce point. Et première chose étonnante, le titre de cette pièce : “J’ai terriblement envie de vivre” entre déjà en totale opposition avec notre époque. Qui a envie de vivre au XXIème siècle ? Tout le monde ? Peut être, mais qui oserait le crier ?

Bruno Abraham-Kremer, lui ose l’affirmer. 

J’ai terriblement envie de vivre est l’interprétation de la vie du dramaturge le plus représenté au monde : Anton Pavlovitch Tchekhov. Par des extraits multiples et par un jeu de scène assez simple (trop simple peut-être ?) la solitude du comédien devient un dialogue phantasmé avec l’immense auteur russe.

C’est toujours avec humour que le message passe le mieux, ici, le spectateur est invité à s’immiscer dans la relation si intime d’un homme face à son idole.

Bruno Abraham-Kremer court, revient, repart, chante, crie, pleure et rentre dans la vie de Tchekhov de sa petite enfance jusqu’à ses derniers instants.

L’évènement le plus marquant de cette charmante pièce est sans doute ce passage derrière les rideaux composant l’arrière-scène. Pourquoi ? Comment ? A vous de le découvrir en allant admirer cette pièce qui transpire la sincérité, l’humain dans le bon sens du terme.

Une déclaration d’amour à laquelle on participe de loin seulement. On ne touche l’admiration qu’avec les yeux.

Une heure et demie de performance, seul sur scène avec un grand tapis roulé comme seul présentoir de repos. Voilà la simplicité dans le Petit Saint-Martin, toute petite salle de théâtre, charmante par sa disposition, charmante par l’atmosphère qui y réside. 

Finalement, en ressortant de la pièce, on a peut-être pas vu le plus grand chef-d’œuvre de tous les temps, mais l’on a été dans l’intimité la plus pure d’un homme envers son maître à penser, son maître à être. Et c’est peut-être ça qui nous donne à nous aussi l’Envie, une certaine “terrible envie de vivre”.

Charles Rozanski,

 L3 Lettres Modernes

Exposition - Critique: Niki de Saint Phalle au Grand Palais

Niki de Saint Phalle était une magnifique femme qui a eu une enfance difficile, violée par son père à 11 ans, elle tombe ensuite dans une longue dépression et se retrouve en séjour à l’hôpital psychiatrique, dès lors l’art devient son outil thérapeutique. Ce n’était pas une artiste « cinglée », c’était une féministe engagée du XXème siècle qui représentait les femmes à travers la vision des hommes. 

L’exposition commence dans une salle grise et feutrée hantée par des « sculptures fantomatiques et délurées », ce sont ses premières œuvres, art déco en relief, où sont collées toutes sortes d’objets improbables, faites d’huile, de plâtre et de peinture. 

On entre ensuite dans un univers de conte de fée avec les célèbres « Nanas », des statues de femmes opulentes et fleuries, elles sont obèses pour mieux dominer les hommes et colorées et mouvantes pour mieux exhiber leur indépendance, elles sont libres, elles dansent, sautent et n’ont aucunement besoin des hommes.

La pièce suivante casse ce côté féerique et impose un ordre militaire, Niki tire à la carabine sur des poches de peinture qui dégoulinent sur les tableaux, ses cibles sont les hommes ainsi que les pouvoirs politique, militaire et religieux. On assiste à l’explosion des matières, et devant cet acte de destruction qui amène la création, on en perd les mots.

Puis place à une « jungle nocturne », qui clôture la visite, où les œuvres s’illuminent, dont un énorme crâne scintillant fait de bouts de miroirs colorés. Partout sur les murs noirs, des dessins adorables, hauts en couleur avec des phrases romantiques, des cœurs et des fleurs, adressées à ses amours qui font ressortir son côté « femme-enfant ». 

Mais si ses œuvres sont philosophiquement intéressantes car elles dégagent l’essence du mouvement féministe, on ne peut pas dire qu’elles soient, pour la plupart, esthétiquement belles. Cela reste une exposition haute en couleur et complétement délurée, à la fois joyeuse et puissante, qui s’adresse au grand public, même si la plupart des visiteurs sont des visiteuses. Alors n’hésitez plus, par chance, l’exposition dure jusqu’au 2 février, tous les jours (sauf le mardi) de 10h à 22h, le dimanche et le lundi, jusqu’à 20h.

June Cooper

Cinéma - Critique : Magic In The Moonlight de Woody Allen

La pluie et le froid s’invitent à Paris, le froid s’engouffre dans les ruelles et le ciel gris semble si bas qu’il parait prêt à s’écrouler. L’automne est arrivé avec son lot de caprices météorologiques, comme chaque année. Pourtant, dans ce tumulte nébuleux, des évasions –parfois salvatrices- s’offrent à vous grâce aux nombreuses sorties cinématographiques attendues en ce début d’année scolaire. Magic in the Moonlight, la dernière comédie romantique écrite et réalisée par Woody Allen est l’une d’entre elles.

Elle nous emmène au début du XXème siècle dans le Sud de la France, à la rencontre d’un magicien des plus renommés (Colin Firth) chargé de démasquer Sophie Baker (Emma Stone), au demeurant médium. Les personnages sont émouvants et sont portés par de très bons jeux d’acteurs. Le premier, sceptique au possible, égocentrique, maladroit et d’un cynisme mordant (qui n’est pas sans rappeler la figure de Sherlock Holmes de la BBC) se révèle tout aussi attachant que la très douce Sophie, rayonnante de simplicité et de candeur.

Évoluant dans un paysage radieux, les deux personnages se rencontrent, s’apprivoisent, se défient au gré de leurs convictions, animés par une curiosité mutuelle, nous entraînant dans une valse légère et bien menée d’un bout à l’autre du film.

La qualité de ce dernier en est d’autant plus appréciable qu’il évite les écueils auxquels on pourrait s’attendre : l’évolution des personnages ne verse nullement dans un sentimentalisme excessif, il n’empiète pas sur l’intérêt de l’intrigue et l’humour est bien présent. D’autre part, d’un point de vue esthétique, l’usage d’une caméra des années 70, non content de créer une cohérence entre l’époque et l’ambiance, donne un rendu à l’image du film, joyeux et limpide. Un petit rayon de soleil qui vous attend en salle depuis le 22 octobre.

Jessica Crochot, 

L3 Lettres et Arts

Cinéma - Critique : Mommy de Xavier Dolan

Je voudrais commencer cette critique par la fin (sans aucun spoil, bien sûr); par le ressenti post-ciné, l’instant tout frais où l’on sort de la salle et où l’on se laisse guider par nos pensées en marchant sur le quai de la gare jusqu’au métro. C’est comme si on avait essayé de me réveiller en me secouant violemment les épaules, me giflant, me lacérant le visage. C’est les jambes encore flageolantes que je rentre chez moi, et il m’est alors impossible de dire autre chose que “je suis allée voir Mommy, c’était super”.

Et pourtant, je n’y tenais pas. Blasée de l’émulation générale, saoulée que le film occupe deux salles au MK2 Bibliothèque ou au Quai de Loire, exaspérée que le petit Dolan construise sa bande annonce autour de son si-beau-discours à Cannes. 

J’ai failli passer à côté.

Xavier Dolan, 25 ans, 5 films au compteur. Ce n’est pas le cinéma “français de France” qui offrirait ses chances à un gamin, si talentueux qu’il soit. Par chance, il est québécois, et ose se donner les moyens d’imposer sa créativité, je dirais même son art, jusqu’à Cannes, jusque faire les grosses sorties françaises.

Cinq ans après J’ai tué ma mère, Mommy reprend le sujet des relations mère-fils. Steve, adolescent violent et impulsif, retourne vivre chez sa mère (électron libre, la superbe Anne Dorval) après s’être fait exclure du centre spécialisé où il était placé. Pèse sur lui la menace implicite de la loi S-14, qui autorise une mère à placer en hôpital son enfant atteint de maladie physique ou mentale.

Dolan traite avec délicatesse une relation amour-haine, entre grossièreté, vulgarité et passion violente. L’entrée en scène parfaitement réussie de Kyla, enseignante en congé sabbatique, apporte une certaine douceur, une tendresse un peu énigmatique. Trois personnages incompatibles qui forment la parfaite fusion de la pudeur, la disgrâce et l’amour. J’irai même jusqu’à parler d’une ambiguité amoureuse légèrement dingue, mais toujours saine, toujours traitée avec la même sensibilité.

Il me semble également essentiel de mentionner un jeu d’acteur parfaitement juste, qui nous prend à la gorge. Imaginez que le jeune Steve colle son front au vôtre, vous regarde droit dans les yeux et se met à rire cyniquement, à pleurer de colère, à vous caresser doucement la joue et à vous insulter en hurlant.

Ajoutons une bande originale limpide, entre Oasis et Lana Del Rey en passant par Dido, Ludovico Einaudi et Counting Crows.

En bref, ne le manquez pas (vous avez de la chance, il va sans doute rester un petit moment en salle !)

Lili Nyssen, 
L1 Lettres et Arts

Cinéma - Critique: Her de Spike Jonze

Le titre « Her » est un article possessif féminin singulier (youpi de la grammaire). La voix, sa voix, à qui ? A elle, cette personne derrière un programme informatique censée combler le vide existentiel de gens en proie à la solitude et à la décrépitude humaine et sentimentale.

Le dernier film de Spike Jonze a de caractéristique qu’on ne voit pas l’un des personnages principaux : Scarlett Johansson. Seule sa voix la représente. Comment peut-on transmettre des émotions par la voix ? Emouvoir sans voir ? Un pari risqué du réalisateur. Une sobriété accentuée par une mise en scène sobre : meubles futuriste, froids, lignes claires et épurés, design comme du Philippe Starck bourré.

Restituons. 2025, Los Angeles Theodore (Joaquin Phoenix) écrit pour un site web des lettres amoureuses, familiales pour des anonymes. Sa femme le quitte, et il se console avec un programme informatique nommée Samantha. Sauf que leur relation évolue de manière inattendue.

Ce que démontre Jonze est l’extrême solitude dans laquelle confèrent les nouvelles technologies. Tels des humains un programme informatique peut nous peiner, nous faire rire, nous faire pleurer et même nous faire l’amour (belles séquences de cyberjouissance entre Theodore et Samantha). Mais malgré des sentiments comme le bonheur ou la haine qu’elles peuvent provoquer, ça reste virtuel. Dans ce futur proche on constate que ces nouvelles relations hommes/pixels sont banalisées.

C’est ça qui nous attend ? Doit-on voir un parti pris du réalisateur contre ces technologies, contre les réseaux sociaux ? Le « c’était mieux avant » est horripilant car c’est jamais mieux avant c’est différent. Pour autant la solitude qu’apportent les machines est réelle.

Le personnage de Theodore est tout en contradiction. Il retrouve l’amour sous forme informatique et cette situation fait écho à son quotidien. Il écrit des lettres sentimentales pour d’autres personnes. Et sa sensibilité à fleur de peau émeut tout le monde. Mais là encore son métier le contraint à ressentir les émotions des autres, ou en tout cas à les vivre par procuration. Le plus émouvant des écrivains publics devient le meilleur des amants virtuels.

Le film en soi est trop long, et par moment on s’y perd. Soulignons la performance de Scarlett Johansson qui parvient au seul moyen de sa voix à envoûter Joaquin Phoenix jusqu’à le manipuler. Nous aussi on est bercé par cette voix au point qu’on se rend compte après-coup de certaines séquences trop longues, inutiles ou ennuyeuses (merde on est dupé !). Les personnages secondaires tels Chris Pratt livrent de belles performances de geeks lessivés par le boulot et par le manque de sentiments.

Romana Lemay, 

L3 Lettres & Arts  

Cinéma - Critique The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson

The Grand Budapest Hôtel, de Wes Anderson

Départ immédiat pour le Clownesque !

The Grand Budapest Hotel : titre énigmatique évoquant à la fois un lieu hôtelier aux sonorités françaises situé en Europe Centrale. Wes Anderson a décidé de nous faire voyager…  c’est parti !!

Tout d’abord ce dessin animé grandeur nature réjouit les yeux. Profusion de couleurs : rose, rouge, bleu, vert, violet, blanc, gris, noir (si c’est une couleur merde). Le décor c’est les montagnes, c’est les collines, c’est la neige, c’est le Grand Froid pour une Grande Intrigue. Vraiment ? Même si la course au tableau est effrénée, le rythme sans temps mort on devine à peu près la fin. Ca n’est pas tant la finalité que les moyens qui sont utilisés qui nous intéressent. Des évènements inspirés de divers livres de Stephan Zweig, voilà pour ceux qui pourront se la ramener culturellement/littérairement/artistiquement. Le tout servit par une galerie d’acteurs dirigés intelligemment dont Anderson a tiré le meilleur parti pour des rôles parfois à contre-emploi.

Hongrie 1985 au Grand Budapest : un vieux monsieur Zero Mustapha raconte à un client de l’hôtel (charming Jude Law) comment il est devenu propriétaire de l’hôtel. S’ensuit un flash-back dans les années 30, le belle époque pour l’hôtel alors à son zénith. Le Budapest accueille le microcosme, le luxe est foisonnant et le prestige du service repose en parti sur le concierge M.Gustave. Ralph Fiennes-à-rouflaquettes gère d’une main de fer l’établissement et assure le confort de ses clientes (et plus si affinités). Un nouveau lobby-boy, Zero Mustapha, entre à son service et surpasse son maître. Un jour une cliente, Tilda Swinton en artisto-cougar, meure et commence les ennuis pour le concierge et l’hôtel.

Ce schmilblick coloré cache une intrigue rocambolesque. Les mouvements sont cadencés, les pas presque dansés, l’intrigue policière vire à une ballet morbide et poétique. On retrouve des méchants et des traîtres joués par des valeurs sûres tels Willem Dafoe en tueur psychopathe. Et un méchant frenchie : Mathieu Amalric of course. Et un nouvel inconnu dans le rôle de Zero Mustapha : Tony Revolori. Cet acteur apporte la dose de loufoque et de cynisme qui contrebalance la nonchalance et l’excentricité du personnage de Ralph Fiennes. Ce duo fonctionne, on y croit.

Voir le film pour la beauté des décors et cette saturation des couleurs. Pour la performance de déguisement d’acteurs, méconnaissables et surprenants. Pour passer un bon moment. Pour éviter d’aller voir des merdes au cinéma car un Wes anderson reste une entité respectable au cinéma.

Romana

L3 Lettres & Arts